即興II (ジェリー・ハンコック)

 Improvisation II. Gerre Hancock, organ. Gerre Hancock (自主制作盤) 29307

Side 1

A mighty fortress is our God (Ein' Feste Burg; Martin Luther, 1529)

Amazing grace! how sweet the sound (Amazing Grace; Early American Melody)

Abide with me: fast falls the eventide (Eventide; William H. Monk, 1861)

For the beauty of the earth (Dix; Conrad Kocher, 1838)

O beautiful for spacious skies (Materna ; Samuel A. Ward, 1882)

Side 2

He is risen, he is risen (Meander; Joachim Meander, 1680) 

Were you there when they crucified my Lord  (Were You There; Early American Melody)

How firm a foundation, ye saints of the Lord (Foundation; Early American Melody)

What child is this, who, laid to rest (Greensleeves; English Melody, before 1642)

The God of Abraham praise (Leoni; Traditional Melody)

基本的に賛美歌を題材にした即興演奏で、即興といっても、いわゆる「前衛」的な要素は皆無です。ただとても品が良く、かつ聴き応えのある内容です。ライナー・ノーツによると「即興演奏の本質は自発性であるため、テープは編集も加工もされておらず、周囲の雑音やレジストレーションの変更も含まれていると」あります。まず「えっ、これ全部即興なの」「通しで録音しただけなの」と驚かされます。周囲の雑音やストップの切り替えとか、全然気になりませんでした。

収録曲ですが、《神はわが砦 (神はわがやぐら) 》 (Ａ面１曲目)、《くすしき恵み (アメイジング・グレイス) 》(Ａ面２曲目)、《グリーン・スリーブス》 (Ｂ面４曲目）くらいは、ぱっと聴いて分かる人も多いでしょうか。もちろん《グリーン・スリーブス》はもともと賛美歌ではないのですが、賛美歌としても歌われている、という文脈の収録になるのかもしれません。

選曲としてびっくりするのは、Ａ面５曲目です。アメリカ人だったら誰もが知っている《美しきアメリカ》または《アメリカ・ザ・ビューティフル》の旋律なのですね。サミュエル・Ａ・ワードという人が作曲しているのですが、もともとは"O Mother dear, Jerusalem"という賛美歌の歌詞に付ける旋律として1882年に考えられたとものの、1892年まで出版はされなかったそうです。それで、有名な《アメリカ・ザ・ビューティフル》の歌詞はキャサリン・リー・ベイツという人が1895年に書き、その両者が最初に合わさって歌として発表されたのは1910年とのこと。現在はむしろアメリカ独立記念日なんかに歌う愛国歌としての知名度が高いですよね。なので、これを賛美歌の文脈で入れたというのは、「通」な感じがします。

演奏をしているジェリー・ハンコック (1934-2012) はテキサス州生まれ。テキサス大学オースティン校に学び、大学院はニューヨークのユニオン神学校 (実は初めてニューヨークに行った時に、図書館に寄ったことがあります) に進みます。フランスにも行ってたっぽく、マリ・クレール・アランに学んでいたり、オルガン即興はナディア・ブーランジェに教わったこともあったらしい。その後、ジュリアードで教鞭を執り、イエール大学やイーストマン音楽学校にも客員教員として即興を教えていたとのこと。このレコードを作った時、彼はニューヨークのセント・トーマス教会のオルガニスト兼合唱団長だったようです。

収録時間がそれぞれの面で20分もないのですが、そのためか、内周部分も音がひどく劣化することなく聴けます。

このレコードに最初に出会ったのは、新潟大学の音楽学の先生の研究室でしょうか。お借りしてカセットに入れていました。しかしカセット音質に満足できす、オークションで落札。届いたのが驚くほど盤質が良いもので、とてもうれしいです。

セッションズ：弦楽四重奏曲第１番 (1936)

 セッションズ：弦楽四重奏曲第１番 (1936)  アマド弦楽四重奏団 Apex 1243 (LP)

セッションズ作品はモデラート、アダージョ・モルト、ヴィヴァーチェ・モルトの３楽章からなる。12音技法を用いているらしい。エリザベス・スプレーグ・クーリッジ夫人によって委嘱され、1937年4月にワシントンDCのクーリッジ弦楽四重奏団によって初演された。

セッションズの作品は時折ちゃんと旋律が耳に入ってくるのが「分かりやすい」と思われるのかもしれない。ただ何度か聴かないと、響き全体の中にそういう旋律が埋没してカオスな無調音楽をみなされてしまう可能性はありそうだ。これより古い録音としては、プロ・アルテ弦楽四重奏団のもの (→Spotify) がある。

このApex盤の演奏をしているアマド（アマドー？）弦楽四重奏団については幸松肇氏の『世界の弦楽四重奏団とそのレコード』が、このレコードのライナーをもとに紹介をしておられるように、1970年に結成されたアンサンブルで、メンバー全員が女性である。

併録のウィリアム・フラビジオという作曲家について、詳しくは知らない。ぱっとネット上の情報を探してみるとフランク・シナトラやダイアナ・ロスやペギー・リーやカウント・ベーシーやレイ・チャールズなどと親交があったというのがあったが、全然そんな感じはしない。作品が「ロジャー・セッションズへのオマージュ」だろうか。

レフラー：《異教徒の詩》（ストコフスキー指揮ヒューストン交響楽団）

Charles Martin Leoffler, A Pagan Poem, Op. 14. Houston Symphony Orchestra; Leopold Stokowski, conductor. EMI Classics 7243 5 67569 2 2

→Discogs
→Spotify
→Naxos Music Library

私が持っているのはオルフの《カルミナ・ブラーナ》とのカップリングされたCD。スクリャービンの《法悦の詩》やグラズノフの《ライモンダ》とカップリングされたCDもあるっぽい。

自称アルザス地方のミュルーズで生まれ・実はベルリン近郊のシェーネベルク生まれとされるレフラーというと、グリフィスとともに「アメリカの印象派」的な扱いを受けているように思うのだけれど、この作品にも、タイトルからも分かるように、異国趣味的な要素はあるように思う。ただ、室内楽的に楽器を制限するような、取り澄まされた感性というよりは、19世紀ロマン主義的なスケールも保持していて、結局それが、のちのハリウッドにつながっていくサウンドなのかな、と思わされた。ストコフスキー指揮で、ぐいぐいと聴かせてくる。隠れた名曲と思わせるだけの説得力はある。

ライナーノートによると、この《詩》は、ヴァージルの『エクローグ』第８章が元になっていて、テッサリアの少女が恋人に捨てられ、妖術を使って彼を取り戻そうとする物語だという。楽譜が手元にないので確認できないのだが、トランペットが舞台袖で演奏する設定になっているらしい。ただこのCD音源では中央から、ものすごく遠い位置から聴こえてきる。これは「物語の魔術的な要素を表現」しているのだとか。最後の方は、けっこう大きな音で懸命に吹いているっぽいが、録音で無理に抑えられているように聞こえる。生演奏だと、もうすこし自然に聞こえるのかもしれない。 (2025-02-28)

Ephemera. Pepper Adams Quartet. 

ジャズはシロートで、しかもバリサクのレコードって本当に知らない。このアルバムはCDになってなくて、僕は某所で聴くことができた。以前どこかでお金を出してデジタル化された音源をダウンロードしたこともあったのだが、スクラッチ・ノイズや針づまり？の音で歪んでいて（しかもクリーニングすれば取れたのでは？というレベル）、がっかりした記憶がある（→こちらのブログでも指摘されている）。B1のJitterbug Waltzを、３拍子の曲の例として、かなり前に富山大学の教養の授業で聴かせたことがあった。

アルバム『弦楽四重奏のメロディー』 (アメリカン・アート四重奏団)

String Quartet Melodies. American Art Quartet RCA Victor (Bluerbird Classics) LBC-1086 (Mono, LP)

幸松肇氏の『世界の弦楽四重奏団とそのレコード』第１巻 アメリカ編によれば、アメリカン・アート四重奏団は第二次世界大戦中の、1940年代のSP期からLP期にかけて、「アメリカの黎明期」に結成されたアンサンブルだそうだ。西海岸を中心に活躍した実力派といったところなのか、「西海岸＝ハリウッド＝メロメロ路線」ということではなく、ヴィルトゥオーゾ的な感覚が一方に、上品なリリシズムが一方にというところか。録音の古さゆえに、低音がもっと欲しいところもあるが、聴きき慣れると何とかなるような気がする。

このアルバムの音源自体は、ソロ演奏家としても活躍した第１ヴァイオリン奏者にちなんだ『アート・オヴ・ユーディス・シャピロ』 (→タワーレコード、 →Spotify) というBiddulphのコレクションに今は収録されている（シャピロについては青弓社のサイトを参照→第14回　ユーディス・シャピロ （Eudice Shapiro、1914-2007、アメリカ））。ただし、オリジナル・アルバムでは、このCDの４トラック目 (メンデルスゾーン：スケルツォ - 弦楽四重奏曲 第4番 ホ短調より)と５トラック目 (チャイコフスキー：《アンダンテ・カンタービレ》) は曲順が入れ替わっている。

マイケル・コルグラス：《コンサート・マスターズ Concertmasters》（秋山和慶指揮アメリカ交響楽団）

Robert Rudié, Red Violin; Masako Yanagita, Yellow Violin; Ronald Oakland, Blue Violin American Symphony Orchestra; Kazuyoshi Akiyama, Conductor. Turnabout TV 34704 (LP)

→Spotify

先日秋山和慶さんがご逝去されたということで、あまり知られていない秋山さんの録音として、これを取りだしてみました。

マイケル・コルグラスはイリノイ大学卒業後、ウォーリングフォード・リーガーとダリウス・ミヨーに師事。生前は打楽器奏者・指揮者としても活躍し、しばしばアメリカ国内のアンサンブルにゲスト・アーティストとして出演していました。

３つのソロ・ヴァイオリンのための《コンサート・マスターズ》はデトロイト交響楽団が初演した作品で、このレコードでは、1962年、当時80歳だったレオポルド・ストコフスキーによって創設されたアメリカ交響楽団の３人の首席団員（ロバート・ルディエ、マサコ・ヤナギダ、ロナルド・オークランド）が独奏をつとめています。３人は1977年4月17日のカーネギー・ホールでの、初演に続く２度目の公開演奏でも独奏をしているそうです（オーケストラもこのレコードで演奏をしているアメリカ交響楽団です）。

レコードのライナーノートによると、この曲は「ロマンティックな印象主義的、ポスト・ウェーベルン的な作品」で、「作曲者のヴィヴァルディへの憧れと、セリエル技法への憧れが結びついた結果」「18世紀、ロマン派、印象派、ポスト・ヴェーベルンなど、従来の技法と不協和音の技法」を融合しているのだとか。そして「軽やかで叙情的なムードを生み出し」、様々な音楽様式を統合しているとあります。

ただ個人的には、あまりウェーベルンという感じはしていないように思いました。フレージングはとても古典的ですし（ヴィヴァルディの影響だから、ネオ・バロックということになるのかな？）、アメリカの真面目な無調音楽という感じがしました。

ところで、独奏者については、通常の「第1、第2、第3ヴァイオリン」という用語をコルグラスは意識的に避けており、赤、黄、青という色を用いています。その理由について、作曲者自身の言葉をライナーノートから引用します。

ソリストの名前をどうするかというくすぐったい問題が出てきた。ヴィヴァルディは自分自身と生徒のために書いていたので、I、Il、IlIと指定することができたが、誰が名ヴァイオリニストに2番、いや3番を弾けと言うだろうか？そこで解決策として、ソリストに赤、黄、青（指揮者に近い赤）の名前をつけることにした。これで、好きな色をめぐって論争が起こることだろう！作曲家の苦悩は終わらない。

ボストン・ポップス・ポピュラー・コンサート (フィードラー／ボストン・ポップス)

 『ボストン・ポップス・ポピュラー・コンサート』フィードラー指揮ボストン・ポップス・オーケストラ ドイツ・グラモフォン (ユニバーサル・ミュージック)  UCCG-9358

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1970年〜73年の録音。バート・バカックの《雨にぬれても》 (1969年の映画)《サン・ホセへの道》 (1968年、ディヴォンヌ・ワーウィックが歌って大ヒット) の品の良いアレンジ（残念ながら編曲者の名前がCDには明記されてい ないが、元LP (ポリドール・レーベル) のジャケットを見てみたら、どうやらリチャード・ヘイマンらしい）。

内容はムード音楽より、ややハイブロウな感じ。聴いた感じではスタジオ録音ではなく、ボストン・シンフォニー・ホールの豊かな反響も入っているようではある（未確認）。そして音が立っていて、歯切れがよい。ジョン・ウィリアムズ時代にくらべると、やや細身かもしれないけれど。

ラグタイム・ナンバー、フォックストロット、デイキミーランド・ジャズ、録音された頃のヒット・チェーン… もちろん「本物」ではないかもしれないが、 これらをまとめてそれなりに楽しく味わうには良い。

演奏は、なかなかのハイ・テンション。でもフィードラーは 淡々と４拍子で振 ってそうなので、面白い。

クラシックを本業とするミュージシャンがポピュラー・チューンに挑戦しているといえるのだろうが、それがマイナスになっているようには思えない。

【トラック内容】

1. 雨にぬれても
2. 恋よさようなら
3. サン・ホセへの道
4. サウンド・オブ・サイレンス
5. 明日に架ける橋
6. イージー・ウィナーズ

7. シュガー・ケーン・ラグ

8. 12番街のラグ

9. ダークタウン・ストラッターズ・ボール

10. タイガー・ラグ

11. 昼も夜も

12. ミュージカル《ラ・マンチャの男》メドレー (ドゥルシネア / アルドンサ / マンブリーノの金の兜 / 彼のことしか考えず / 哀れな騎士 / いとしのドゥルシネアへ / 見果てぬ夢)

13. ミュージカル《ヘアー》メドレー（ アクエリアス / ドナ / フランク・ミルズ / イニシャルス / エイント・ゴット・ノー / ヘアー / バレ・クリシュナ / エアー / グッド・モーニング・スターシャイン / レット・ザ・サンシャイン・イン） (2004.6.14記述、2025-02-11補筆)

ゴードン・ムンマ 電子音楽作品リスニング・メモ (2004.9.16)

Gordon Mumma "Live-Electronic Music" Zadik TZ7074

《ホーンパイプ (角笛) Hornpipe》(1967) ゴードン・ムンマ (狩猟ホルン、ホルン、サイバーソニックス) Track 3
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ナイマンの著作によるとムンマのcybersonic devices使用の作品としてはHornpipe (1967) が最も有名なんだそうだ (Nyman, 101)。

例えばこの曲がフィードバックを使用しているということを知らなければ、ホルンや角笛といった太古、原始を思わせる響きと沈黙に思いを馳せながら、想像力を働かせて聴く行為になるのだろう。一方、一度コンソールの中に入り音楽が変化させられると、リード楽器のような音になる。ゾーンのClassical Strategiesを思い出す。明らかにヒスノイズが聞こえてくる箇所はテープなのか？

「演奏場所の中でのホルンの音の反響をモニターし、自らその反響を補足するように調整する。この調整作業の間、ある回路が不均衡になり、自分の均衡を保とうとする。そして、その過程で、さまざまな組み合わせが生じ、それが純粋に電子的な反応を引き起こす。」(ナイマン、195-196)

《Mesa メザ》 (1966)デヴィッド・テュードア（バンドネオン）、ゴードン・ムンマ（サイバーソニックス）Track 2

冒頭からバンドネオンの音など全く思い起こすことのない、歪んだ電子音的な響き。《ホーンパイプ》と違うのは、長い音が引き伸ばされること。サイバーソニックスに、どれだけ「結果としての音」をコントロールする能力があるのか、という疑問を持った。ナイマンの『実験音楽』によるると、単なる増幅装置ではなく、gate-controlled circuit とコンサート・ホールの音響によって左右される (Nyman, 102) というし。ムンマのシステムを知る必要が出てくるだろう。 (2004.9.16執筆)

→参考ブログ記事
TZ 7074：Gordon Mumma "Live-Electronic Music" (2002) (telの日常三昧)

スーザ・マーチ集 (ジョニー・グリーン指揮ハリウッド・ボウル・ポップス管弦楽団)

スーザ・マーチ集 (星条旗よ永遠なれ、ワシントン・ポスト・マーチ、サンダラー・マーチ、エル・キャピタン・マーチ)　ジョニー・グリーン指揮ハリウッド・ボウル・ポップス管弦楽団　テイチク (Decca) DEP-58

→Discogs

Discogsのデータはアメリカ盤（６曲入り10インチ33 1/3回転盤だ！）。私が持っているのはテイチク発売の国内盤 (45回転EP盤)。これをなぜ買ったのかと言うと、おそらく演奏がハリウッド・ボウルの名が付いたオーケストラによるものだったからだろう。ポップス・オーケストラの資料として買ったのだ。ライナーには「今や、アメリカ楽壇に、嘖々（谷口注：さくさく）たる名声を馳せているジョニー・グリーンが、わが国でもFENを通して、お別染のハリウッド・ボウル・"ポップス" オーケストラ（Hollywood Bowl "Pops" Orchestra）を率いて、初めでデッカ・レコードにお目見得しました」と紹介されている。演奏は、まあ悪くはないのだけれど（弦楽器が入るのは許そう）、トリオ部分にいつもベルリラの音が入ってきて、それが個人的には耳障りというか…好みに合わないのである。米Deccaの録音も、ちょっと音が遠く、高音がシャリシャリな感じで、こちらも好みではないかもしれない（もしかするとオリジナルはSPと同時に発売されているような時代かも）。

というわけで、この音源は純粋に資料として保持している１枚なのだろう。懐かしくこの１枚を思い出される方には申し訳ないのだが…。

アメリカ音楽 リスニング・メモ (2004年９月)

ケネス・ゲイブロー：《レモンのしずく》《ハリーのために》 アルバム『電子音楽のパイオニア』CRI SD 356
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このアルバムは1950年代から60年代始めにSon NovaとHeliodorからリリースされていた音楽を集めたものだそうだ。案外こういうジャンルの方がアカデミズムを感じないものだ。

この世のものとも思えない音たち。アメリカは具体音路線と電子音楽路線の区別なく…と言うのが典型的な歴史的記述だが、前者は確かにそうだろうと思う。後者は電気的手段による音響合成が主である。(2004.9.12)

アール・ブラウン：《４つのシステム》エバーハード・ブルム (フルート) Hat Art CD 6147

沈黙が多く、ケージを思わせるが、その後に現れる音が強いダイナミクスであったり、すごく細かい音符であったりで、まさに「アクション」を思い起こさせるのが強烈である。(2004.9.13)

ヘルベルト・ブリュン：11のためのジェスチャー (1964) ヘルベルト・ブリュン指揮イリノイ室内合奏団 (Chamber Players) CRI SD 321 →YouTube

明らかにセリエリズムまたはアカデミズムの流れを組んでいるが、どこかしらジャズの影響らしきユーモアも感じられる。(2004.9.13)

チャールズ・ドッジ：《イン・セレブレーション》(1975)、《スピーチ・ソング》(1973)、《私たち人生の物語》CRI SD 348→YouTube

ヴォコーダーのテストみたいにも聞こえるのだけれども、後にもっとポピュラー音楽に使われたときのことを考えると、なんとも実験的だ。現代音楽モード、あるいはアカデミズムのはずだけど、やはり、どことなくユーモラス。曲を追って聴く時間があれば楽しめるのかも。(2004.9.13)

ロジャー・レイノルズ：《Ping》(1968)、《Traces》(1969) CRI SD 285

突然大きな音が出てびっくり (Ping)。(2004.9.13)

ジョージ・クラム：《歌、ドローン、そして死のリフレイン》ローレンス・ウェラー (バリトン)、ジョール・ソーメ指揮フィラデルフィア・コンポーザーズ・フォーラム Desto DC 7155

歌詞がわからないのだが、思わせぶりなコメントと、アンプリファイされた楽器の音が、大きな音のする打楽器と合っている。エレキが入っているが、ポピュラー音楽くさくない。(2004.9.13)

Happy Trails: Round-Up 2 (カンゼル／シンシナティ・ポップス・オーケストラ)

"Happy Trails: Round-Up 2" エリック・カンゼル指揮シンシナティ・ポップス. オーケストラ、ジーン・ オートリー、 シェリル ・ミルンズ 、ロイ・ロジャース、米国空軍シンギング・サージェントの男声合唱団員 Tearc CD-80191

→アマゾン
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カンゼルのヒット・アルバム『Round Up』の続編ということか。第２弾の難しさは、選曲の選曲の難しさである。第１弾にベスト・ヒット を網羅すると、同じ曲の使えない第２弾は、どうしてもマニアックな選曲になるからだ。しかも「みんなが知っている曲」を収録することが何よりも売れ行きに大きく影響するだろうから…。

そんな中で、エンニオ・モリコーネの『続・夕陽のガンマン』やディミトリー・ティオムキンの『ジャイアンツ』『アラモ』などは、やっぱり「おっ」と思わせる。モリコーネはスパゲッティ・ウェスタン（日本的にはマカロニ・ウェスタン）だし、ティオムキンは「アメリカらしさ」を作り出している人がウクライナ生まれということも分かったり。

いまはSpotifyでも聴ける時代なのだから、ちょっと聴いてみてはと思う。 新たな発見をすることは間違いなさそうだし。  (2004.5.21.執筆、2025-01-31補筆)

「マイケル・ティルソン・トーマスの軌跡を記念BOXで振り返る」というレビューを書きました

 【生誕80年】マイケル・ティルソン・トーマスの軌跡を記念BOXで振り返る（谷口昭弘） https://recogei.ontomo-mag.com/article/advance-review/p-10374

遅ればせながら『レコード芸術ONLINE』に、マイケル・ティルソン・トーマス (MTT) のCD Box３点をレビューしました。

MTTといえば、ロンドン交響楽団とのマーラーの交響曲第９番をサントリーホールで聴いた (1992年５月19日) のが個人的には思い出に残っています。圧倒的な演奏で、打ちのめされました。しかし当時の新聞批評には「酔えないマーラー」という見出しで否定的な評価がなされ、音楽評論家に不信感を持つようになりました。それで、評論文みたいなもの勢いでしたため、大学学部時代の先生に見せたりしました。残念ながらそのときに書いた文章が見当たらないのですが、演奏についてきちんと書いた文章としては、それが生まれて初めてのものだったかもしれません。

今回まとめてMTTの録音を聴いてみて、波長と合う指揮者であることを改めて実感しました。またMTTの演奏というと、アメリカ音楽ばかりを（自分の専門に近いということもあった）中心に聴いてきたので（マーラーは何枚かあったと思います）、お仕事とはいえ、彼の幅広いレパートリーを堪能できて、本当に良かったです。